Rupprecht Geiger gibt mit seiner Kunst der abstrakten

Welt eine neue Perspektive. Mit weichen Farbverläufen, aber auch harten Kontrasten lässt er seine Bilder strahlen.

1908 geboren in München, als Sohn des Malers Willi Geiger, studierte er Architektur und gewann 1962 den Domnick-Preis zusammen mit seiner Frau Monika Geiger.

Die Kunst aber begleitete ihn ebenfalls durchs Leben, zunächst als Kriegsmaler im zweien Weltkrieg.

1948 begann er erstmals eine Serie aus Trapez- und Hakenformen zu erstellen, die 1962 zu seinen monochrom- modulierten Farbfeldern führte.

"Das Bild malt mich"

Lusici ist im Spreewald, „wo der Fisch durch die Bäume fliegt“ aufgewachsen: Diese damals noch ganz  ursprüngliche Umgebung hat ihn geformt. Sie ist für ihn so prägend, dass er 1982 seinen Nachnamen Schade ersetzt durch den des Ahnengeschlechts „Lusici“. Lusici übersteht 25 Jahre DDR. Er beschäftigt sich konsequent und intensiv mit existentiellen Fragen des Lebens, mit der Beziehung Mensch und Natur und forscht nach den Grundwerten des Menschen.

„Wichtig ist die Haltung, nicht ein Stil. Wichtig sind Offenheit und Pragmatik, Materialvielfalt und Originalität.“ Lusici lässt das, was künstlerisch aus ihm herausdrängt, frei fließen Er malt Empfindungen, „auch solche, die man aus der Wurzel der Kindheit herübergetragen hat.“ Ob Tageblätter, Buchübermalungen oder Malerbücher, expressiv – bekenntnishafte Gestimmtheit ist eine wesentliche Seite von Lusicis Kunst „um sich ein Bild zu machen, von den Dingen und von der Welt.“ So entstehen seine persönlichen und gesellschaftskritischen Wegzeichen. Auf wenige Striche reduzierte Figuren gehören zu seinen Markenzeichen. Sie schweben auf farbigen Hintergründen durch Zeit und Raum. Nicht zufällig ist der Mensch zentraler Punkt seines Tuns. Portraits und Figuren durchziehen sein gesamtes Werk. Die Natur ist dabei Ort des Menschen, der seine Umwelt gestaltet und zugleich von ihr geprägt wird. „In den besten Momenten werde ich gemalt – das Bild malt mich“ (vgl. Ernst A. Busche: Katalog Weg-Zeichen).

Konkret - Linie, Farbe, Fläche, Raum

Der Berliner Künstler Max Bill (geb. 1908, gest. 1994) zählte zu den wichtigen deutschen Vertretern der konkreten Kunst“. Die „konkrete Kunst“ distanziert sich dabei grundsätzlich vom Begriff der Abstraktion. Letzteres würde implizieren, dass der Kunst etwas in der materiellen Wirklichkeit Vorhandenes zugrunde liege, was durch den Künstler abstrahiert wird – wobei dahin gestellt sei, in welchem Ausmaß die Abstraktion stattfände. Die konkrete Kunst“ befasst sich jedoch mit dem unmittelbaren Umgang mit Linie, Farbe, Fläche und Raum. Genau diese Motivik erbklicken wir auch in dem Kunstwerk des Monats. Die einzelnen Elemente des Bildes stellen dabei keine Symbolik dar, sondern - wie Bill selbst formulierte – sie sind „der reine Ausdruck von harmonischen Maß und Gesetz“. Form und Farbe werden im besonderen Maße zusammengefügt.

Wachstum, Farbe, Licht und Materie - Blumenbilder

Blumenbilder finden sich in der letzten Zeit in Klaus Fußmanns Werk immer häufiger als in den vorangegange­nen Jahrzehnten. Für ihn ist es die Darstellung des Vergänglichen und des Jahreszeitenwechsels. Seine Blätter umfassen von der Tulpe, dem Mohn über die Marguerite bis zur Rose und - wie es auch bei unserem "Kunstwerk der Woche" zu sehen ist - dem Ver­gißmeinnicht nahezu alle Blumen, dies entweder in Einzeldarstellungen oder als ganzer Reichtum des Gartens vereint in einer Grafik. Dabei geht es ihm aber nicht um die Darstellung im botanischen Sinne, sondern ihre Form ist mehr aus ihrer Wachstumsstruktur heraus begriffen, ihr Blühen ist das Wesen von Farbe, als eine Erscheinungsart aus Licht und Materie.

Obwohl Fußmann seine Blumen - wie die anderen Themen seiner Grafik- auch in Gemälden und Aquarellen darstellt, besitzen diese Blätter einen ausgesprochenen grafischen Charakter, unverwech­selbar in den favorisierten Medien Radierung und Linolschnitt. Die Leichtigkeit des Aquarells wird in die Tiefdruck-Blätter, das Pastose der Gouache in die Hochdruck-Blätter adäquat übersetzt, ohne daß je der Eindruck entsteht, es sei Malerei reproduziert worden. Die Übersetzung gelingt vollkom­men, weil jedes Motiv dem Medium entsprechend verstanden und dargestellt wird.

Die Betrachtung des Menschen

Der italienische Maler, Bildhauer und Grafiker Marino Marini war zweifellos einer der herausragendsten Künstler der europäischen Kunst im 20. Jahrhundert. Sein immer wiederkehrendes und unverkennbares Sujet ist neben den Porträtdarstellungen - wie unser "Kunstwerk der Woche" zeigt - sowie den Darstellungen von Akten, Tänzerinnen und Akrobaten, das Thema Reiter und Pferd in verschiedenen Variationen. Sein Stil war dabei archaisch und besonders von der etruskischen Kunst beeinflusst. Doch auch der Kubismus inspirierte den Italiener in formaler Hinsicht.

Seine Poetik, die in wenigen Motiven zum Ausdruck kommt, seine ganze Welt aus Beziehungen und Betrachtungen über den Menschen und sein Leben weisen eine Dichte der Botschaften und eine suggestive Fähigkeit auf. Auch das "Portrait der Maria" zeigt keine idealisierte oder stilisierte Darstellung der Person. Ihr zum Teil kritisch bzw. angestrengt wirkender Blick, fordert den Betrachter heraus. Möglicherweise sind es hier vor allem die individuellen Wesenzüge und der Charakter, den Marini herauszuarbeiten versuchte. Gleichzeitig beeinflusst er durch eben diese Art und Weise der Darstellung den Betrachter, der Frau bestimmte Charakterzüge zuzuordnen.

Freiheit des Individuums

Der Lithoandruck von A. R. Penck zeigt den an den Neoexpressionismus erinnernden Stil des Künstlers. Eine Komposition aus grafischen Bildzeichen, asiatischer  Kalligrafie, Graffiti, primitiver Höhlenmalerei und naiver figuraler Motive in Form von schemenhaften Strichmännchen - verspielt, humorvoll, unbekümmert. Typisch sind auch die gemalte Formlosigkeit sowie der schwungvolle Pinselstrich und die plakative Farbfläche.

Als Maler, Grafiker und Bildhauer versuchte Penck in der Zeit der DDR mit seiner Kunst die Suche des Menschen nach einer freien Gesellschaft und dem Ausbruch aus dem Kontrollsystem darzustellen. Das "Kunstwerk der Woche" entstand als Illustration zu dem Werk "Tiské", eine Gedichtsammlung von Bert Papenfuß-Gorek, einem deutschen Lyriker mit oftmals schwer zu deutenden Texten. Andersherum gelesen erkennt man in dem Titel "Tiské" das Wort "Exit". Ist es hier der Ausgang, der Abgang und die Suche, die thematisiert wird und dessen Kernaussage mit den Intentionen Pencks übereinstimmte?

Optische Täuschung

Victor Vasarely beschäftigte sich in seinem künstlerischen Schaffen mit abstrakter, konstruktivistischer und früher kinetischer Kunst. Es entstanden geometrisch-abstrakte Kompositionen, welche aus der Verbindung von Quadrat-, Rauten-, Dreieck-, Kreis- und Stabformkonstruktionen bestehen. Vasarely gehörte zu den Begründern der sogenannten Op-Art, die sich mit optischen Bewegungseffekten und Wahrnehmungsphäno-menen beschäftigte. Diese Merkmale sind auch in genanntem Kunstwerk zu beobachten. Durch die optische Täuschung, welche einen Flimmereffekt bzw. eine Bewegung suggeriert und sich hier eindeutig in dem Bereich der horizontalen Balken bzw. Streifen wiederfindet, wird der Betrachter überrascht und irritiert.

Bizarre Realität

Horst Janssen gehört zu den herausragendsten  Zeichnern und Grafikern des 20. Jahrhunderts. Der Hamburger Künstler schafft in seinem Werk „Sic transit gloria mundi“ eine karge, nahezu groteske Landschaft, in der sich Abstraktion und Gegenständliches verbinden. Einige Elemente wirken morbid – sie erinnern an abgestorbene Pflanzen und Äste und skeletthafte, ummantelte Gestalten. Janssen eignet sich stilistische und motivische Merkmale von kunstgeschichtlichen Vorbildern (u.a. Botticelli, Piranesi, Meryon, Goya, Munch, Dürer sowie ost-asiatische Kunst) an, die er im Folgenden paraphrasiert und immer wieder variiert. Er schafft eine phantastische Welt, die bizarre Elemente enthält, dennoch handelt es sich nicht – wie bei seinen Vorbildern – um mythische Themen, Traumwelten, alttestamentlichen Fabeln oder  apokalyptischen Visionen.  Janssen spielt  lediglich vereinzelt mit derartigen Motiven. Sein Hauptaugenmerk liegt in der detaillierten und fein strukturierten Darstellung eines beobachteten Augenblicks. Dabei verbindet der Künstler künstlerische Tradition mit lebendiger, individueller Kunst, welche von dem Betrachter als charakteristisch für Horst Janssen gelten sollte. Auf diese Weise vermag der Künstler Kunst der klassischen Moderne mit Gegenwartskunst zu verbinden.

Fruhtrunk - Vom Sehen und Wahrnehmen

Günter Fruhtrunk thematisiert in seiner geometrisch-abstrakten Komposition den Prozess des Sehens und Wahrnehmens. Keine Raumillusion, keine Idealisierung, keine Weltauslegung im Ungegenständlichen, sondern eine Aktivierung des Sehvorganges und die Wahrnehmung des Sichtbaren sind die Motive, die der Münchener Künstler durch strenge, rhythmische Diagonalstreifen und einem unkonventionellem bzw. nonkonformen Umgang mit Farbe verwirklicht. Monochrom und flächig-zweidimensional werden Raumebenen nicht klar definiert, vielmehr rätselt der Betrachter, welche Farben und Balken im Hintergrund und welche im Vordergrund liegen. Der Pinselduktus fehlt, die Balken variieren in Größe und Anordnung, zum Teil verwendet der Künstler gegenläufige Schnitte. Bei genauerer Betrachtung fallen die schmalen Farbstriche an den Konturen der stärkeren Balken auf, die die Dynamik der Formationen unterstützen. Sie irritieren die Schärfe der Konturen und die Abgrenzungen der Farbfelder. Die Streifen in Fruhtrunks Komposition wandern über die Bildfläche, das Schwarz birgt Ruhe, die Farben blenden und die Perspektiven scheinen sich fortwährend zu ändern. Wendet man seine Augen von dem Bild, bleiben die Nachbilder vor den Pupillen des Betrachters zurück.

Ricardo Benaim und die Collage

Der heute in New York lebende Künstler Ricardo Benaim verbindet in seiner Collage den Auszug eines Manuskriptes, eine Fotografie, kleine Bänder, Spiralen sowie eine buchähnlichen Komposition mit zum Teil hauchdünnem und handgeschöpftem Papier, in das Stoffpartikel, Blüten, Gräser, Farne und Wasserzeichen eingelassen sind. Benaim setzt sich in seinen Bildern immmer wieder mit der Umwelt und Natur seines Heimatlandes Venezuela auseinander, was auch hier an den verwendeten Materialien deutlich wird. Sein Werk ist unaufrdinglich und birgt Ruhe. Seine Liebe zur Literatur drückt sich in dem Auszug des Romans Don Quijote von Miguel de Cervantes aus. Gleichzeitig symbolisiert der Extrakt wohlmöglich auch die Sehnsucht und das Verlangen zu neuen Abenteuern aufzubrechen und zu reisen. Eine gewisse Fernweh nach der Welt korriliert mit der Sehnsucht nach der Heimat.